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von/by Susanne Nielsen 

The Outrun, eine sanfte Stimme (Schauspielerin Saoirse Ronan) mit schottischem Akzent erzählt den poetischen Mythos von Robben, die an Land kommen, um sich in schöne Menschen zu verwandeln, aber wenn sie nicht bei Sonnenaufgang ins Meer zurückkehren, müssen sie in menschlicher Gestalt an Land bleiben und sind so in einer Existenz gefangen, die sie daran hindert, vollständig und frei zu sein. Die Gesichter dieser Meerestiere und auch die atemberaubende Landschaft nehmen uns in den Film mit. Als wir Saoirse Ronans Figur Rona kennenlernen, scheint auch sie unglücklich zu sein, sie wandert umher und sucht nach einem Lebenssinn, schwankt zwischen der rauen Landschaft und ihrer Flora und Fauna der Orkney Inseln in Schottland, und wenn sie hier, wo ihre Wurzeln sind, ist, vermisst sie auch ihr Leben in London mit Pubs und Bars. Aber ihre nächtlichen Aufenthalte verwandeln sich in Albträume, als sie versucht, ihre Probleme zu vergessen, ihren Kummer im Alkohol ertränkt und ein Chaos anrichtet. Auf wunderbare Weise verknüpft Regisseurin Nora Fingscheidt (das Drehbuch schrieb sie gemeinsam mit Amy Liptrot und basiert auf Liptrots Memoiren „The Outrun: A Different Kind of Addiction Memoir“, der Film ist eine britische und deutsche Koproduktion) Szenen der Protagonistin als kleines Mädchen, das die Natur liebt und zwischen Eltern aufwächst, die ihr keine Stabilität bieten können: Eine Mutter, die versucht, sich um sie zu kümmern, und ein Vater, der von manisch-depressiven Phasen geplagt wird, deren Zustand sie höflich als „unwohl“ bezeichnet. Und während ihre Mutter Trost und Kraft in tiefem Glauben sucht, flüchtet sich Rona in Situationen, die sie noch tiefer in die Verzweiflung treiben. Sie, eine brillante Gelehrte mit einem Master in Biologie,  hte und Abhängigkeit sie immer wieder einholt. Der Film verwebt Ronas poetische Monologe aus Mythen, Geschichte und Wissenschaft mit den chaotischen Zuständen der Protagonistin, während sie versucht, wieder herauszufinden! Der Film nimmt uns mit auf eine Reise durch das raue und schöne Land mit Einblicken in das Leben der Inselbewohner. Ihre Bereitschaft, ihr Dilemma zu überwinden und neu anzufangen, gibt Hoffnung. Ihre Liebe zur Natur verschafft ihr Erlösung, sei es, dass sieTieren auf der Farm ihrer Eltern   arbeitet, oder sich bemüht, einen vom Aussterben bedrohten Vogel zu finden. Wie der Vogel ist auch sie gefährdet. Dank Saoirse Ronans ausgezeichneter Schauspiel-Leistung zeugt der Film von Stärke angesichts des Kampfes, den vielleicht diejenigen am besten verstehen können, die sich selbst in ihr wiederfinden. Dennoch ist es ein Film der Hoffnung ausstrahlt, poetisch und wunderschön ist, mit einer schönen Überraschung ganz am Ende.

Megalopolis ist das große Finale des Alt-Regisseurs Frances Ford Coppola! Wie so viele der großen Hollywoodfilme erinnert dieser zwei Stunden und 18 Minuten lange Film an Meisterwerke wie "Sunset Boulevard" oder "La Dolce Vita", und auch Coppola scheint an seine Erfolge mit "Apocalypse Now" und "Der Pate" anzuknüpfen. Er gehört zu einer Klasse Filmemacher, die wir bald verlieren werden. In diesem Werk, dessen Entstehung 13 Jahre dauerte, hat der Meister seine utopische Vision zusammengetragen, das Werk stellt viel mehr dar als eine weitere (von ihm) gut erzählte Geschichte!

Wir werden mit einer erstaunlichen Überfülle an Bildern, Charakteren und Ideen konfrontiert, die eine Handlung bilden, die an die letzten Tage antiker Gesellschaften erinnert und erleben hier den möglichen Beginn einer neuen utopischen Kultur, die von friedlicher Zusammenarbeit gepraegt ist. Coppola muss es uns erzählen, aber dieser Film ist nichts für Leute, die leichte Unterhaltung suchen. Der Film schöpft aus so vielen Quellen, spielt mit Sprache (lateinische oder elisabethanische Verse) und literarischen Ikonischen von Hamlet bis Cesar; die Kleidung hat Anklänge von der Antike über den Barock bis zur minimalistischen Moderne (von der erfahrenen Kostümbildnerin Milena Canonero erdacht).

Alle Schauspieler bewegen sich durch wunderschöne Räume in dieser perfekten modernen Megalopolis. Wir sehen New York City mit Coppolas Hauptfokus auf der glänzenden Fassade des Chrysler Building (Kameraführung von Mihai Mălaimare Jr.), perfektes visuelles Symbol einer glamouroesen Vergangenheit und einer strahlenden Zukunft. Hier hat der idealistische Architekt Cesar (ein im römischen Stil frisierter und gekleideter Adam Driver – Neffe von John Voigts Hamilton Crassus) die Macht, die Zeit anzuhalten, was er uns in der ersten dramatischen Szene des Films zeigt. Diese Fähigkeit erhält er von einer glänzenden Substanz namens "Megalon", die das Schicksal der neuen Stadt verändern könnte, die er erschaffen möchte. Von seinen Büros über der Metropole aus erfindet und leitet er sein Team, um sein „Neues Rom“ zu erschaffen. An seiner Seite sind diejenigen, die seinen Traum teilen.

Doch der Bürgermeister der Stadt, Franklyn Cicero (gespielt vom erfahrenen Schauspieler Giancarlo Esposito), umgibt sich mit Leuten, die wollen, dass alles so bleibt, wie es ist – und der ein Modell, das nur ein weiteres gewinnbringendes Unternehmen zur Unterhaltung der Massen zu sein verspricht, praesentiert.

Cesar verliebt sich in die Tochter des Bürgermeisters, Julia (Nathalie Emmanuel), was, so Coppolas Vision, das Alte mit dem Neuen verbinden soll. Diese Beziehung ist ein beruhigendes Element in die Geschichte, das zusammen mit einigen wunderschön ausgeleuchteten, ätherischen Szenen die Welt der Führer mit der der Unruhe der Bevölkerung ins Gleichgewicht bringt, die auf den Straßen gegen Veränderungen protestiert. Es gibt wilde Versammlungen und Rennen um einen Zirkus mit drei Manegen, Spiele aller Art und Charaktere wie die aufstrebende Fernsehjournalisten Wow Platinum (Aubrey Plaza) und einen intriganten Shia LaBeouf als Clodio Pulcher, den reichen jüngeren Sohn des Bankiers Hamilton Crassus, der ebenfalls Julia will und auf Cesar eifersüchtig ist. Er stellt sich als Gegenkandidat zu den beiden rivalisierenden Visionären auf, die entschlossen sind, die Zukunft der Stadt zu gestalten.

Der Regisseur möchte viel sagen, darunter auch ein wenig Innovation in der Filmtechnik vorstellt. So greift er in Megalopolis nicht nur auf die Filme der 1930er Jahre zurück, sondern auch experimentelle Elemente auf und fügt in einem Teil des Films einen kurzen „Live“-Schauspieler hinzu.

Als sein Held Cesar, der vielleicht Coppola selbst nachempfunden ist, zu Beginn des Films versucht, scheint der Film als eine seiner ultimativen Wahrheiten zu vermitteln, dass „wir nur frei sind, wenn wir uns ins Unbekannte stürzen.“

(German) Transformers One – entführt uns direkt in das von vielen geliebte Transformer-Universum. Diesmal bekommen Fans der Filme einen Science-Fiction-Animations-Actionfilm, der Hasbros Transformers-Spielzeugserie zum Leben erweckt und die Hintergrundgeschichte zweier ihrer größten Helden, Optimus Prime und Megatron, erzählt.

Der action- und abenteuerreiche Film unter der Regie von Josh Cooley und nach einem Drehbuch von Eric Pearson mit dem Team Andrew Barrer/Gabriel Ferrari spielt auf dem Heimatplaneten der Transformers, Cybertron. Die vier Hauptfiguren des Films werden vom Bergarbeiter Orion Pax in eine düstere unterirdische Welt voller (zahnradloser) gehorsamer Arbeiter geführt, die ihre Tage damit verbringen, Energon auszugraben, die mittlerweile knappe Energiequelle ihres Planeten, die früher frei floss. Jetzt muss sie von Minenarbeitern zutage befoerdert werden, damit alle überleben können.

Sentinel Prime, der seit dem Ende der Herrschaft der ursprünglichen Primes (einer Elitetruppe von Kriegern, die im Kampf gefallen sind) Anführer dieses Planeten ist und auch Iacon leitet, lobt seine Bergleute für ihre harte Arbeit und bietet als Abwechslung z.B. das große „Iacon 500“-Rennen! Aber seine eigenen Taten, der Kampf gegen die außerirdischen Feinde Quintessons und die fortgesetzte Suche nach der Matrix der Führung, um die Energiequelle wieder frei für alle fließen zu lassen, lassen alle zu diesem Anführer aufschauen und härter arbeiten um ihm zum Erfolg verhelfen.

Nur ein Minenarbeiter, Orion Pax (lateinisch für „Frieden“), ist auf einer geheimen Mission und sucht selbst nach der Matrix der Führung. Als er eine kleine Speicheraufzeichnung auf einem Altmetallgerät findet, weist sie ihm an den Ort auf der Oberfläche seines Planeten, einen sehr gefährlichen Ort, an den sich alle nicht  hintrauen.

Zu Beginn der Geschichte schmiedet Orion Pax (mit jugendlicher Energie und Hoffnung in der Stimme von Chris Hemsworth) Pläne, Geschichte zu schreiben. Er verspricht seinem zweifelnden Kumpel D-16 (Stimme von Brian Tyree Henry) ein Abenteuer und macht sie, die einzigen Rennfahrer ohne "Cog"=Kraftelement zur Verwandlung, für alle sichtbar! Was mit einer unmöglichen Aufgabe beginnt – sich in dieses Rennen zu stürzen, um zu gewinnen, obwohl sie sich nicht verwandeln koennen, verändert ihr Schicksal, und schickt sie auf ein 104-minütiges Abenteuer!

Mit auf der Reise sind der sehr komische Bergarbeiterkollege B-127 (Stimme von Keegan-Michael Kay) und eine in Ungnade gefallene Vormaennin, Elita-1 (mit mutiger Stimme, Scarlett Johansson). Durch den Zufall sind sie alle in Iacons Abfallwirtschaftsabteilung gelandet, und die weibliche Anführerin ist am richtigen Ort, um sie alle zur Oberfläche des Planeten zu führen, von der Orion Pax weiß, dass es der Schlüssel zur Freiheit aller sein wird.

Alle vier fahren per Zug, um die sehr glänzende, aber tödlich gefährliche Oberfläche von Cybertron zu erreichen und das Geheimnis des aktuellen Zustands ihrer Anlage zu entdecken.

Die Bilder fangen nicht nur die wunderbar massigen Actionfiguren und ihre industrielle Unterwelt der Bergbauumgebung ein, sie zeigen uns auch, wunderschön im Art-Deco-Stil mit seinen glänzenden, geschwungenen und eckigen Oberflächen (denken Sie an das Chrysler Gebaeude in New York City) eine glitzernde, in orangefarbenes Licht getauchte, Landschaft, deren Felsen wie Kristalle vor unseren Augen mit Hochgeschwindigkeit wachsen! Die vier Entdecker werden von einer Herde silbriger, hirschähnlicher Tiere begleitet, die auf der äußeren Schicht grasen.

Die Antworten, die sie alle suchen, finden sie, als sie eine riesige dunkle Höhle betreten. Diese Szene führt uns zurück in eine alte Zeit, als die 13 Primes ihre Welt regierten.

Jetzt liegt es an Orion Pax und D-16, auf das zu reagieren, was sie gelernt haben.

Der Film zeigt uns die Entwicklung der Beziehung zwischen den beiden Minenarbeitern: Von der Rückkehr zum Anfang bis zum Ende des Filmes, als Orion Pax zu Optimus Prime geworden ist, dem Anführer der Autobots (er hat die Macht, sich in einen cybertronischen Truck zu verwandeln) und D-16, Orions als zunaechst sein bester Freund, der nun von Rache an dem betrügerischen Anführer des Planeten und anderen, die ihm im Weg stehen, getrieben wird. Indem er dies tut und Orion Pax im Stich lässt, wird er zum Erzfeind seines langjährigen Freundes. D-16 ist zu Megatron geworden (der die Macht hat, sich in einen silbernen cybertronischen Panzer zu verwandeln), dem Anführer der Decepticons, und die neue Welt verlassen muss, in der Frieden und das Teilen von Ressourcen unter der Führung von Optimus Prime nun das Ziel aller ist.

Die Animationstechnik ist perfekt für dieses unterhaltsame, actiongeladene Abenteuer für alle Altersgruppen. Und es gibt reichlich Stoff für viele weitere Nachfolgefilme.

Jeder braucht ein Happy End! Lang erwartet, nun endlich auf der großen Leinwand kommt der Marvel Studio Film DEADPOOL & WOLVERINE. Unter der Regie von Shawn Levy werden Ryan Reynolds, Hugh Jackman, Emma Corrin, Morena Baccarin, Rob Delaney, Leslie Uggams, Karan Soni und Matthew Macfadyen wieder sehr lebendig. Das fängt schon in der action-packed Anfangssequenz klar, in DEADPOOL & WOLVERINE geht es um viel Aktion und spritzige, wenn auch nicht sehr jugendfreie Dialoge, besonders von Deadpool, Ryan Reynolds’ Deadpools ganz besonderem Talent! Natuerlich braucht es wieder eine Super Story, da will jemand den nach Anerkennung lechzenden Reynolds fuer seine bösen Pläne einspannen. Aber Ryan macht nicht mit, nicht weil Welten auf dem Spiel stehen, sondern weil seine Freunde damit auch draufgehen. Die sind natürlich hoch wichtig! Und um sie zu retten braucht er (einen) Wolverine, und weil es um parallele Welten geht, gibt es vergangene und er findet einen, der noch lebt (wir erinnern uns, im letzten Film starb der als Retter der guten Sache) und tatsächlich noch recht passabel in ein gelbes Kostüm passt. und wir bekommen nicht nur die typischen Wolverine Haarbüschel, sondern sozusagen das ganze Packet - den prima gestylten Oberkörper, der sich noch sehen lassen kann. Das Reynolds-lastige Drehbuch zu DEADPOOL & WOLVERINE stammt von Ryan Reynolds & Rhett Reese & Paul Wernick & Zeb Wells & Shawn Levy. Nach heftigen Schlachten, Wiedersehen mit alten Freunden und Feinden, und einem hübschen Finale, das auch sich Reynolds zurecht geschneidert hat, bekommt der Bösewicht die Abrechnung, werden die Helden wieder fuer den nächsten Film aufgestellt, und sieht man viele tolle Szenen, die besonders Hugh Jackman von der Jugend bis ins jetzt in Clips aufleben lassen. Kevin Feige, Ryan Reynolds, Shawn Levy und Lauren Shuler Donner zeichnen als Produzenten und Produzentin verantwortlich, Louis D'Esposito, Wendy Jacobson, Mary McLaglen, Josh McLaglen, Rhett Reese, Paul Wernick, George Dewey, Simon Kinberg und Jonathon Komack Martin fungieren als ausführende Produzentinnen und Produzenten. Dieser Film ist am besten in der Originalsprache anzuhören, überhaupt nicht auszudenken, wie man diese Amerikanischen Sätze ins Deutsche übertragen würde. 

Zwei zu Eins spielt in der ehemaligen DDR kurz nach dem Berliner Mauerfall und der Deutschen Wiedervereinigung. In Halberstadt im Sommer 1990 leben Maren (Sandra Hüller), Robert (Max Riemelt) und Volker (Ronald Zehrfeld), die sich sich seit ihrer Kindheit kennen und lieben. Zufällig finden sie in einem alten Bergbau-Schacht die Millionen Papiergeld der DDR, die dort eingelagert wurden, weil es “zu gute Ware war”, so ihr neuer Freund (Peter Kurth) um zu verrotten. Mit seiner Hilfe (“wenn ihr damit watt macht, bin ick dabei”) schmuggeln sie Rucksäcke voll Geld heraus. Gemeinsam mit ihren Freunden und Nachbarn entwickeln sie ein ausgeklügeltes System, um das inzwischen wertlose Geld in Waren zu tauschen und den anrauschenden Westlern und ihrem Kapitalismus noch in den wenigen Tagen, dann noch Wochen, vor dem endgültigen Zwei zu Eins fuer ihre alte Währung, ein Schnippchen zu schlagen. Denn wenn man jetzt zusammenhält - das hatten sie ja viele Jahre im Osten gelernt, und schlau ist, wird dieser Sommer ein super großes Abenteuer, und vielleicht, so stellen sie sich vor, als sie dieses viele Geld in Händen halten, zählen und in Waren umsetzten, auch ein grosser Wendepunkt in ihrem Leben werden. Der Spass auch ihre eigene Volkspolizei ein bisschen an der Nase herum zu führen, und mit einem ausgeklügelten Seiltransport System zu umgehen, führt, wie sie nun hoffen zu dem ganz grossen Coup. Einbeziehen lassen sich dabei auch die undankbar abgeschobenen Bonzen des alten Regimes und ganz zum Schluss auch die Treuhand, die ihnen schenkt was ihnen immer als Mittel zum Aufbau des eigenen sozialistischen Staates diente, ihr VEB ( Volkseigener Betrieb). Als sie erkennen, das auch dieser sie nur als billige Zulieferer fuer den Westen ausgenutzt hatte, fallen die Illusionen gänzlich. Was bleibt ist ihre Liebe und Freundschaft fuer einander. Hueller, Riemelt,Zehrfeld, und vor allem Peter Kurth, Ursula Werner, und Olli Dittrich und Uwe Preuss sind wunderbar! 

Mit TOUCH (2024) erzählt uns Regisseur Baltasar Kormákur eine Liebesgeschichte zwischen zwei jungen Studenten, beide aus Inselstaaten, die noch immer von den Kriegsjahren im London der 1970er Jahre gezeichnet sind. Auch wenn die Geschichte nun aus der Sicht des alternden Mannes erzählt wird, ist sie eine Ode an das Leben. Als junger Mann verliebt sich der isländische Student Kristófer in London in die schöne Japanerin Miko. Es ist die Zeit der Öffnung der Kulturen, eine neue Ära, in der John Lennon und Yoko Ono allen die Augen dafür öffnen wollten und mit ihrer Aktion ihre Liebe öffentlich der Welt verkündeten. Sie ist sich bewusst, dass Nikos Vater sich der Liebe seiner Tochter zu jemand anderem als ihrem Landsmann widersetzen würde. Aber sie weiß nicht warum und findet das einfach altmodisch. Doch Kristófer verlässt die Universität für Miko und beginnt, um ihr nahe zu sein, als Tellerwäscher im kleinen japanischen Restaurant von Nikos Vater zu arbeiten. Es ist ein gutes Omen, dass er bei seiner Einstellung Ähnlichkeiten mit dem japanischen Besitzer entdeckt. Sie sind beide Fremde hier, sie sind beide auf einer Insel am Meer beim Fischen aufgewachsen, vielleicht sind Island und Japan (Seelen-)Verwandte. Doch Nikos Vater, ein Witwer, trägt ein schweres Geheimnis mit sich. Hinter dem Japaner, der angeblich aus Tokio stammt, verbirgt sich seine Verbindung zu Hiroshima. Mit dieser realen Herkunft ist vieles verbunden, das die Handlung des Films bestimmt. Kristófer ist ein sehr eifriger Kochschüler und interessiert sich nicht nur für die japanische Küche, sondern auch für die Kultur und Geschichte des Landes und lernt sogar, japanische Gedichte zu lesen und zu schreiben.

Die Liebesgeschichte der beiden jungen Leute beginnt sanft im Innenhof des Restaurants, wo sie sich in den Arbeitspausen treffen, und in Kristófers Wohnung, wo Miko heimlich Zeit mit ihrem Geliebten verbringt. Der junge Mann ist bestürzt, als er eines Tages feststellen muss, dass die ganze Familie plötzlich aus der britischen Metropole verschwindet – und damit aus seinem Leben. Kristopher ist untröstlich und kehrt nach Island, seiner Heimat, zurück. Rund fünfzig Jahre später hat sich Kristófer (Egil Olafsson) in seiner Heimat Island längst ein Leben aufgebaut. Als er eine ärztliche Diagnose erhält und ihm geraten wird, auf das zu achten, was ihm wichtig ist, denkt der Witwer über sein Leben nach und beschließt, nach seiner großen Liebe Miko zu suchen. Die Geschichte spielt zu Beginn der Corona-Pandemie. Kristófer reist nach London, der Stadt, in der ihre Liebe begann. Viele Jahre muss er nun nachholen und reist mit Hilfe von dort nach Japan, wo seine Suche ein überraschendes Ende findet.

Die Darstellungen von Koki und Palme Kormakur Baltasarsson als junges Liebespaar, das seine Beziehung vor Nikos Vater (Masahiro Motoki) verheimlichen musste, und dem älteren Paar (Olafsson mit Yoko Narahashi) sind zärtlich und in ruhigen Bildern erzählt. Die Kühle der isländischen Landschaft, das wunderbar gestaltete japanische Restaurant-Ambiente, die Zubereitung des Essens in London und die Reisen nach Japan nehmen uns in diesem Film mit auf eine lebendige und interessante Reise voller Musik und Esskultur. Im Mittelpunkt steht eine poetische Romanze zwischen zwei verschiedenen Kulturen, die von der Geschichte des 20. Jahrhunderts geprägt sind. Es ist eine sanft erzählte Geschichte. 

Ein kleines Stück vom Kuchen, wir lernen Mahin (Lily Farhadpour) in der Runde ihrer Freundinnen kennen, alle nun alt geworden, und nicht mehr in der Lage sich Regelmäßig zu treffen. Man erzählt von den Familien, und auch von den Träumen noch einmal die Gemeinschaft mit einem Partner zu erleben. Auch Mahin machen sie Mut, sich einmal umzuschauen, vielleicht in einem Senioren Cafe z. B. Sie lebt seit dem Tod ihres Mannes und der Ausreise ihrer Tochter nach Europa allein in Teheran. Und der gesellige Nachmittagstee mit Freundinnen gibt ihr den Anstoß dazu, ihren einsamen und monotonen Alltag hinter sich zu lassen. Ihr Wunsch ihr Liebesleben wieder zu aktivieren, regt sie an, sich auf die Suche nach einem neuen Partner zu machen. In einem Cafe ueberhoert sie ein Gespräch in dem ein gleichaltriger Taxifahrer, Faramarz (Esmail Mehrabi) seinen Freunden erzählt er sei einsam. Nach der zufälligen Begegnung macht sich Mahim auf die Suche nach diesem freundlichen Mann und bittet ihn sie nachhause zu fahren. Sie öffnet spontan ihr Herz für diesen Mann, er zeigt sich von ihr und ihrem schönen Heim und Garten angetan, und zusammen verleben sie “ein Stück vom Kuchen des Lebens, das ihnen all die längst versagten Freuden ihrer Jugend mit Tanz und Essen und Wein, wenn auch nur fuer einen kurzen Augenblick, den sie teilen, zurückbringt. Ein liebevoll melancholischer Film zum Träumen. 

Juliette im Fruehling (Juliette au Printemps, Französisch, 2024), Blandine Lenoirs Film basiert auf Camille Jourdys Graphic Novel „Juliette: Ghosts Return in Spring“ aus dem Jahr 2016, einer Familiengeschichte, die mit Sorgfalt und Tiefe in ihrer Erforschung der Beziehungen zwischen der jungen Juliette, ihrem schrulligen Vater, ihrer Künstlermutter und ihrer Großmutter, die den Verstand verliert, erzählt wird. Die Geschichte beginnt sanft damit, dass die Protagonistin (Izia Higelin) im Frühling ihren alternden, geschiedenen Vater auf dem französischen Land besucht. Sie ist eine Illustratorin, die ihre eigene Familie gerne als Inspiration für ihre Figuren nutzt, und wir sehen, wie sie bereitwillig mitmachen, um für ihre Fotos zu posieren. Doch allmählich wird klar, dass es bei diesem Besuch für Juliette auch darum geht, ihrer eigenen Melancholie zu entfliehen. Wir folgen ihr bei diesem Besuch in Erinnerungen und beim Wiederentdecken und Aufarbeiten ihrer eigenen Kindheitsvergangenheit. Zunächst hofft Juliette, zwei erholsame Wochen mit ihrer Familie verbringen zu können. Stattdessen begegnet sie ihrer Schwester (Sophie Guillemin) in einer existentiellen Krise, ihrem liebevollen, aber launischen Vater (Jean-Pierre Darroussin), der einsam ohne die Familie in seinem Haus lebt, ihrer Mutter (Noemi Lvovsky), einer Künstlerin mit breit angelegten Liebe-mein-Leben-Themen, die gerade mit ihrem ihn anbetenden Partner die New-Age-Bewegung für sich entdeckt hat. Schließlich erlebt Juliette, wie ihre geliebte Großmutter immer vergesslicher wird und sich mit ihrem neuen Leben in einem Pflegeheim abfinden muss. Wir erfahren, wie kompliziert ihre Beziehung zu ihrem Vater ist. Ihre Schwester, die derzeit heimlich den Schein einer guten Mutter und Ehefrau eines bescheidenen Ehemanns (Eric Caravaca) wahrt, verbringt heimlich Zeit im Garten mit einem verliebten Liebhaber im Hasenkostüm (Thomas de Porquery). Als nichts sie aufzuheitern scheint, findet sie einen neuen Freund, den sympathischen Übersetzer Polux (Salif Cisse). Er sucht Trost und mietet das alte Haus der Familie, in dem Juliette nun Kindheitserinnerungen wiederentdeckt, während sie alte Kindheitsschätze für den neuen Bewohner ausräumt. Eine Familienfeier, Juliettes Geburtstag, bringt alle an einem Tisch zusammen. Ihre Mutter inszeniert eine wilde Kunstausstellung in einer Galerie, die Großmutter hat einige klare Momente, in denen sie Juliette dabei hilft, ein Kindheitsgeheimnis zu erkennen. Die Katze und ein Entlein zeigen, dass das Leben immer Überraschungen und Momente der Katharsis bereithält. Die wunderbaren Kinderbuchzeichnungen bieten einen bezaubernden Rahmen in diesem schönen Film über das Chaos und das Mysterium, das ihre eigene (und vielleicht jedermanns) Familiengeschichte ist. Die Charaktere des Films sind charmant und glaubwürdig und die Illustrationen, die ihren Weg in den Film finden, ermöglichen es dem Zuschauer, sich in dieser schönen Geschichte zu verlieren.   

Die Gleichung ihres Lebens,(Le Theoreme de Marguerite, frz. Film 2023) In Anna Novions Film sind Primzahlen Marguerites (Ella Rumpf) große Leidenschaft. Die brillante Mathematikstudentin ist die einzige Frau im Promotionsprogramm unter dem renommierten Professor Werner (Jean-Pierre Darroussin) an der École Normale Supérieure in Paris. Doch als sie bei der Präsentation vor einem Forschergremium mit einem gravierenden Fehler in ihrer Arbeit konfrontiert wird und die Fassung verliert, lässt ihr Doktorvater sie fallen und widmet sich ganz dem talentierten Promovanden Lucas (Julien Frison). Tief erschüttert und voller Selbstzweifel wirft Marguerite alles hin und sucht sich einen Aushilfsjob und zieht zu einer Überlebenskünstlerin (Sonia Bonny). Schnell muss sie erkennen, dass auch das Leben außerhalb der Universität überraschende Erkenntnisse bereithält und sich weder die Mathematik noch Lucas so einfach aus ihrem Leben verbannen lassen. Aber sie findet Dank ihrer neuen Liebe und dem Verstaendnis , das sie gewinnt, dass auch das wirkliche Leben mit all seinen Gefuehlen zaehlt, einen Weg zu ueberleben , das ihre Liebe zu Zahlen ( in diesem Fall MahJong) zum Thema nimmt, und eine Teamarbeit , die auf gegenseitigem Vertrauen basiert, einen Weg zurueck , der ein Leben mit ihren Zahlen erlaubt und auch die Liebe selbst. Ein interessanter Film!